书画 | 梁雪英笔下的极地世界-全球信息

10月22日，“融象——梁雪英当代艺术水墨展”亮相北京蔡冠深文化交流中心。展览展出其近年来新作“山水”“花鸟”“极地”与“生灵”四个系列。

出生于香港的梁雪英，早年师从于岭南画派大家赵少昂先生，后北上京城随中央美术学院张立辰先生深研大写意花鸟画，在花鸟画的写意传统和当代人文与自然情境之中，不断探寻新的艺术风格与表达语言。2000年出版个人画集《悦》。2012年出版个人画集《和谐》並在北京举办个人作品展览。2022年在北京举办个人当代水墨艺术作品展览“融象”及出版作品集。

(相关资料图)

梁雪英现为香港美术家协会会员、香港现代女画家协会会员，是具有代表性和影响力的当代香港水墨画家。大写意画代表着中国画笔墨结构表现的概括性、写意性、精神性和高雅性，且凝聚着中国人的文化修养和哲学思考。梁雪英坚持以承续传统的方式融入现代艺术观念来拓展自己的创新路向，更把近现代岭南画派的优长揉进传统大写意笔墨结构中，自成独特的风格面貌。

近日，梁雪英接受《中国文化报》美术周刊中心专访，分享了其近年来对于中国画创作的心得感悟和南极之旅创作灵感的来由。

记者：引入南极主题系列作品是本次展览的一大看点，是否可以分享一些关于南极之旅的经历与体验？您如何将这段经历融合于艺术创作？

梁雪英：我们经历了重重困难才踏上南极之地，与世无争，冰川千变万化，水波形态万变，企鹅顽强求生，这片净土给我带来的震撼之大,至今在我心中久久回荡。极地冰雪梦幻的世界深深打动了我，风景的黑白和中国水墨画真的很贴合，从这个点切入，利用中国笔墨的方法去展现这个地方是合适的。极地和生灵是反差很大的两个题材，所以给我的创作空间很大。在艺术处理上我用了两种不同的方法。我以比较意象的方式去表现极地的冰雪世界，重点放在梦幻、冷峻和静谧的意境中，是“冷”的呈现。在成千上万的企鹅中我看到了生生不息的精彩生命、温馨的亲情和互相扶持共存的画面所以我以“暖”的方式创作了一批比较感性有趣味的作品。两组作品反差有点大，形成了对比但在似乎不协调中又起了融合的意思与趣味。

记者：您希望通过南极系列传达何种感受和思考？

梁雪英：从极地回来后触动很深，感叹生命的有限和个人的渺小，在历史的长河中个人只是一粒细小的砂粒。南极不属于任何一个国家，它是世界共有的一片净土，全球变暖的进程加剧导致冰盖消融、冰架崩解和雪山的山体外露，它日渐消逝让人非常痛心。我希望能尽一点微薄的力量引起大家对环境的关注与爱护。环境问题已是一个刻不容缓的严峻问题，人人都有责任发挥自己的力量好好保护及珍爱这个世界。因此，我很多焦点都放在“融化”上面，我在强调风景正在融化的状态，这也是“融象”的其中一重意涵。

创作心境的变化——大道至简

《融化》，纸本水墨，96×180cm，2020年

记者：十年前，你曾经在798桥艺术空间举办过个展，当时，无论是风景还是花鸟作品，都显得清晰、饱满、张扬，而现在的作品的观感更为淡薄、平和，留白也更多，这种转变是为何？是否和心境相关？

梁雪英：和年纪、阅历、内心的平静、审美的诉求、人生态度的变化都有关联。十年前，我的颜色很强烈，追求动态的律感。我开始是岭南派，对色彩敏感，色彩也是我所钟爱的。所以那时我的作品颜色很丰富、很强烈。但现在，十年以后，我的心已经静下来，不急躁了，心中的杂念好象慢慢地递減，率真、简朴和单纯更能引起我的共鸣，我欣赏内敛，含蓄，平淡、拙朴和温柔，在宁静的心境当中不但不空虚反而精神自在、从容和满足，在我眼中世界不再黑白分明了，更加柔和了，不需要极端，中庸就是最好的处世之道，所以我想要展现静的东西，生活中平凡但美的东西。我的老师张立辰先生也明显看出我创作心态的变化，他认为我的作品现在更多的注重内在的东西，而不只是外在手法的“炫技”。

由于对周边的环境更加敏感，人也就变得更加感性直观，思想上更开放自由。作画是随心的，画自己喜爱和受感动的东西，努力去探求一种与自己性格接近的艺术语言来寄托内心的感情和抒发自己主观的审美诉求。好些作品中出现大量留白，留白是我非常专注的部分，是奥妙神秘的地方，非常重要。它与物象的关系是微妙的，是动与静的关系、是实与虚的反差，它让你先关注物象的存在然后再引申到物象之外，引发思考，不同的观者会有不同的感应。大部分的现代人都处于精神复杂、紧张和浮躁的状态中。精神、心灵和视觉上都需要释放和松弛。我希望能把人生的理念转化为一种视觉的艺术使人得到心灵上的愉悦也希望观者能感受到这份真诚。

当代水墨的实践——守正创新

梁雪英《融象》，纸本水墨，96×180cm，2022年

记者：中国当代水墨既立足于传统，也具有当代性，你如何理解“当代水墨”这一概念？

梁雪英：我的理解是传统的笔墨，现代的思维，“当代”就是让创作结合当下生活，并且愿意接受新事物。齐白石用水墨画虾，画猪不妨碍其成为现当代著名画家。现代人经常不理解，认为传统是落后的，传统离得太远，搞创新创作就是 要抛弃传统，其实不是的。传统是前人留给我们的、一些宝贵的经验。中国画最珍贵、最应该保存下来的就是笔墨结构。什么是笔墨结构？“笔”即用笔，怎么去驾驭笔。中国画对“线”的要求很高，一笔下来有太多的内涵。在此基础上去结合墨和各种色彩，有无限的可能。传统不是古老，是宝藏，是许多关于笔墨结构的经验总结。“笔”是一种手段，如果能把握好笔墨构成，那我们就可以利用它去结合现代思维。传统的笔墨结构没有二十年的功夫很难达成，这也是为什么很多人都抛弃了这些东西。它有难度，所以很多人想着去走捷径。但最宝贵的恰恰就是笔墨结构。我很担心笔墨的传承问题，我有一种使命感，传统的东西我一定会保留，在此基础上，我再去结合新的思维，去创作。

梁雪英《浑元》，纸本水墨，33×69cm，2018年

记者：创作时，如何平衡传统与当代的关系？又如何在传统中寻求突破？

梁雪英：基于刚才的阐述，我的意见是保留传统，并且走出去看世界。近些年我的创作上以传统优良的元素结合现代的景象和思维，融入深化，重新构思纯化、挖掘对象的内在含韵与内涵，把客观物象转化为主观的意象去寻求艺术的本质。

另外，我认为还要思维开放，抓住中国的东西不放，再去吸收外面的东西，以开放的心态取各家之所长。这几年我对世界各处的自然境象产生了浓厚的兴趣也是受到了法国画家德加(Degas)的启发,逐渐开始了实验性的尝试，花鸟画是我的专业，所以”心中的山水”是一个全新的探索方向也是写意精神的深化体验。德加用了monotype的技法创作了一批“意象山水”，他以主观的审美观结合了对景象的印象、记忆和想象，以一种自由的心态有选择性地加入喜爱的元素来完成创作。画作中还有他一些隐喻的元素在内，是他想象中的山水。我在山水创作中也利用了一些技法来体现对山水的印象，探索笔、墨、水、色与宣纸的关系。体现它们碰撞后所产生千变万化、笔外笔、墨外墨、意外意的艺术意象境界。你们会看到此次展览作品不仅有南极的景象，还有我印象中的北极的作品。

梁雪英《花影》，纸本水墨，69×69cm，2022年

未来的创作方向——志在四方

记者：您近期在绘画方面有何追求？接下来的创作将有何侧重，有什么感兴趣的题材？

梁雪英：我的兴趣很多。山水我也很感兴趣，因为我的专业是花鸟画，所以日后我也想在山水题材上下功夫，看看有没有突破。关于冰山的题材我还没画够。另外我还有一个想法是画非洲。对于展现那种狂野、粗放的原始状态我很感兴趣，当然也很难，我还在琢磨，排在了我的创作日程上。

记者：未来你的创作想形成什么样的风格符号？

梁雪英：个人而言，每一个艺术家在每个阶段的追求都应该是不一样的。年轻的时候，我追求霸道、强烈、张扬，到了现在我又有别的追求。如果抓着一个符号不放手，会扼杀很多创造力和发展空间。所以我不会给自己定型，不会止步于前，我不会因为满意极地题材就不断重复它们。可能一年以后，对非洲感兴趣了，我就会画别的。所以我会一直追求不同阶段内心的满足感，不会囿于一种风格一种符号。我喜欢旅游，去看这个世界。读万卷书，不如走出去体验生活，看看风土人情和自然景观。它们都给了我很多的灵感，所以我不缺乏题材，它们都在我的脑海中。去生活中寻找艺术，就是我的路向。

（图片由主办方提供）